Barok Sanatı

Barok sanatı ve mimarisi, Batı sanatı tarihinde kabaca 17. yüzyıla denk gelen dönemde üretilen görsel sanatlar ve bina tasarımı ve inşası. İtalya’da ortaya çıkan en erken tezahürler 16. yüzyılın son on yıllarına tarihlenirken, başta Almanya ve sömürge Güney Amerika olmak üzere bazı bölgelerde Barok’un bazı doruk noktaları 18. yüzyıla kadar ortaya çıkmamıştır. Barok dönemi ayırt eden çalışmalar üslup açısından karmaşık, hatta çelişkilidir. Ancak genel olarak, genellikle dramatik yollarla duyulara hitap ederek duygusal durumları uyandırma arzusu, tezahürlerinin temelini oluşturur. Barok ile en sık ilişkilendirilen niteliklerden bazıları ihtişam, duyusal zenginlik, drama, canlılık, hareket, gerilim, duygusal coşku ve çeşitli sanatlar arasındaki ayrımları bulanıklaştırma eğilimidir.

Rönesans sanatı ve Maniyerizm’i takip etmiş ve Rokoko (geçmişte genellikle “geç Barok” olarak anılırdı) ve Neoklasik tarzlardan önce gelmiştir. Katolik Kilisesi tarafından Protestan mimarisi, sanatı ve müziğinin sadeliği ve sadeliğine karşı bir araç olarak teşvik edilmiştir, ancak Lutheran Barok sanatı da Avrupa’nın bazı bölgelerinde gelişmiştir.

Barok tarzı, huşu duygusu yaratmak için kontrast, hareket, coşkulu detaylar, derin renkler, ihtişam ve sürprizleri kullanmıştır. Stil 17. yüzyılın başında Roma’da başlamış, ardından hızla İtalya’nın geri kalanına, Fransa, İspanya ve Portekiz’e, ardından da Avusturya, Güney Almanya ve Polonya’ya yayılmıştır. 1730’lara gelindiğinde, 18. yüzyılın ortalarından sonlarına kadar Fransa ve Orta Avrupa’da görülen rocaille veya Rococo adı verilen daha da gösterişli bir stile dönüşmüştür. İber Yarımadası da dahil olmak üzere İspanyol ve Portekiz İmparatorluklarının topraklarında, yeni stillerle birlikte 19. yüzyılın ilk on yılına kadar devam etmiştir.

Dekoratif sanatlarda bu stil bol ve karmaşık süslemeler kullanır. Rönesans klasisizminden ayrılmanın her ülkede kendine özgü yolları vardır. Ancak genel bir özellik, her yerde başlangıç noktasının Rönesans’ın getirdiği süsleme unsurları olmasıdır. Klasik repertuar, şok etkisi yaratmak için kalabalık, yoğun, üst üste binen, yüklüdür. Barok tarafından getirilen yeni motifler şunlardır: kartuş*, kupalar ve silahlar, meyve veya çiçek sepetleri ve diğerleri, kakmacılık, sıva veya oyma ile yapılmıştır.

* Kartuş (ayrıca cartouch) hafif dışbükey bir yüzeye sahip oval veya dikdörtgen bir tasarımdır, tipik olarak süslü parşömenlerle çevrilidir. Boyalı veya alçak kabartma bir tasarımı tutmak için kullanılır. 16. yüzyılın başlarından beri kullanılan kartuş, aslen İtalyan cartuccia’dan türetilmiş bir şeritli çerçeve aygıtıdır.

Robert Hecquet’nin Figures françoises et comiques adlı eserinin önsözünün barok kartuşu, muhtemelen 1702, kağıt üzerine gravür, Metropolitan Sanat Müzesi, New York

‘Düzensiz inci veya taş’ anlamına gelen Portekizce ‘barocco’ kelimesinden türetilen Barok terimi, on yedinci yüzyılın başlarından on sekizinci yüzyılın ortalarına kadar Avrupa’yı karakterize eden bir kültür ve sanat hareketini ifade eder. Barok, dramatik, abartılı hareketleri ve net, kolay yorumlanabilen detayları vurgular. Barok sanat, coşkulu düzensizlikleri nedeniyle genellikle tuhaf veya düzensiz olarak tanımlanmıştır.

Barok dönem, kendisinden önce gelen büyük sanat hareketi Rönesans’ın etkileriyle tanımlanmıştır. Öyle ki pek çok sanat tarihi akademisyeni Barok sanatın Rönesans’ın sonu olduğunu ve hiçbir zaman kültürel ya da tarihsel bir fenomen olarak var olmadığını savunmuştur. Diğerleri ise bu görüşe katılmayarak Protestan Reformu ve Otuz Yıl Savaşları’nın yarattığı yıkımın Avrupalıların ve Avrupalı sanatçıların dünyayı görme ve onunla ilişki kurma biçimlerini değiştirdiğini, sanat ve kültürlerin yönünü değiştirdiğini, dolayısıyla Rönesans’tan net bir şekilde ayrıldığını ileri sürmüştür.

Olayların büyüklüğü ve öneminin yanı sıra dönem boyunca ortaya çıkan zıt resim tarzları da bir fikri Barok’a bağlamayı zorlaştırıyor. Avrupa, özellikle Roma Katolik Kilisesi’nin meydan okumasıyla toplumdaki en büyük değişimlerinden biriyle karşı karşıyaydı; ancak erken dönem Barok sanatçıları Gian Lorenzo Bernini ve Francesco Borromini aracılığıyla Barok sanat hareketi, Vatikan ve çevresindeki sosyal ve dini çevrelerin başyapıt siparişleriyle başladı. Rönesans mimari tarzı çizgiselden resimsele dönüşmüş ve Rönesans’ın mükemmellik, tamamlanmışlık ve düşünülebilirlik fikirlerine, oluş, boya benzerliği, sonsuzluk ve sınırsızlık fikirleriyle meydan okunmuştur.

İtalya’nın Roma kentindeki Trevi Çeşmesi, kentteki en büyük Barok çeşmedir ve genellikle tüm dünyadaki en güzel çeşmelerden biri olarak kabul edilir.

Her türden Barok sanat, Katolik Kilisesi ile ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır. Aslında Kilise, insanlar üzerinde arzu edilen etkiyi yaratmak için sanatın nasıl görünmesi gerektiğine dair gelenekleri şekillendirmede büyük bir etkiye sahipti. Barok sanat, onu deneyimleyen insanlarda ihtişam ve huşu uyandırmak için yapıldı ve tamamen yeni bir duyusal dini deneyim haline gelmiştir.

Katolik Kilisesi Barok üslubu desteklemiştir çünkü sıradan insanlara ilham vermek, onları canlandırmak ve aynı zamanda Kilise ve onun görkemli doğasıyla bağ kurmak için yeni ve canlı bir yaklaşıma ihtiyaç duymuştur.

Reformasyon’un getirdiği savaş ve çatışmaların kargaşasından sonra Barok sanat, Kilise ve cemaati için canlandırıcı bir diriliş sunmuştur. Bunun arkasındaki itici güçler, Katolik Kilisesi’nin güvenilirliğini ve otoritesini korumak için resim, mimari ve heykel yoluyla görsel temsil ve iletişim biçimlerini kullandığından propagandacı olarak kabul edilebilir.

Barok sanatın 17. yüzyılda sanat ve kültüre getirdiği ilerlemeleri daha iyi anlamak için, bu karmaşık hareketin altında yatan tarihsel temellere bakmamız gerekir.

Barok dönem, 1500’lü yıllarda Protestanlar ve Katolik Kilisesi arasında yaşanan Reform gibi Avrupa’daki önemli siyasi ve dini çalkantıların ardından gelişmiştir. Reformasyon, Martin Luther’den (Alman bir keşiş, rahip ve ilahiyatçı) önce birçok başka dini kişiliklerle başlamış olsa da, birçok bilimsel kaynak, bu olayları harekete geçiren Reformasyon’un katalizörü olarak onu işaret etmektedir.

Martin Luther, 1517 yılında Katolik Kilisesi’nin çeşitli şüpheli eylemlerinden duyduğu endişe nedeniyle yazdığı “95 Tez” başlıklı yayınıyla tanınır. Luther’in kaygılarının başında (Papa X. Leo yönetimindeki) Kilise’nin Roma’nın Vatikan şehrindeki Aziz Petrus Bazilikası’nın inşası için para toplamak amacıyla insanlara genel hoşgörü olarak da bilinen endüljanslar satması geliyordu.

Hoşgörüler, Kilise’ye bağışta bulunmaları, iyi bir iş yapmaları, belirli bir yeri ziyaret etmeleri veya bir dua okumaları halinde insanların Cennet’e gideceklerini ve Araf’ta daha az zaman geçireceklerini garanti eden sertifikalar gibiydi. Bu durumda, maddi bağışlar Papa’nın Bazilika’yı inşa etmesine yardımcı olmuştur. Martin Luther, kimsenin cennetteki yeri için para ödemesine gerek olmadığına inandığı için bu tür bir prosedüre katılmıyordu. Ayrıca, Kilise ve onun Katolik Ayinleri ile ilgili çeşitli dini konulardaki tutumu hakkında daha derin endişeleri vardı.

Bu dönemde Martin Luther Wittenberg Üniversitesi’nde Ahlaki Teoloji dersleri veriyordu ve aynı zamanda bir vaizdi. Endüljansların satıldığı bilgisini duydu ve aynı zamanda endüljanslar için Büyük Komiser olan Alman Dominiken vaiz Johann Tetzel adında başka bir vaiz tarafından Wittenberg yakınlarında verilen vaazlardan haberdar oldu.

95 Tez’in Almanca versiyonunun 1557’deki ilk baskısının metninin başlangıcı; Martin Luther, Wikimedia Commons aracılığıyla

Martin Luther “95 Tez “i o sırada Brandenburg’lu Albert olan Mainz Başpiskoposu’na göndererek olup bitenler hakkında onu bilgilendirdi. Ayrıca Wittenberg’deki kilise kapılarına da astı ki bu yaygın bir uygulamaydı. Matbaanın bulunması Martin Luther’in yayınlarının çok sayıda kopyasını çıkarmasına olanak sağladı. Hatta Almanya’da yüzlercesi basıldı ve Latince’den Almanca’ya çevrildi. Belge sonunda pek çok saygın entelektüelin eline geçti. 1521 yılında Martin Luther, kendisinden istendiğinde görüşlerinden vazgeçmediği için Kilise ile ciddi anlaşmazlıklar yaşamaya başladı. Sonuç olarak, İmparator V. Charles tarafından ilan edilen Worms Fermanı’nda Kilise’den ihraç edildi ve “azılı bir sapkın” olarak kabul edildi.

Karşı-Reform aynı zamanda sanat ve tinsellik alanında da yeni gelişmelere yol açmıştır. Protestanlar, Katolik Kilisesi’nin dini imgelerinin çoğunun çok abartılı olduğunu kabul ederek bunları ortadan kaldırmaya çalıştılar. Bazı Reformistler, Katolik Kilisesi’nin ikonoklazm olarak bilinen dini imgelerini şiddet kullanarak yok etmişlerdir. Protestanlar, dini imgelerin Protestan değerlerine uygun olarak sadece İsa’yı ya da haçı tasvir etmesi gerektiğine inanıyordu. Protestan Reformu, imgelerin dini ibadet için kullanılmaması gerektiği fikrini benimsemiş, Karşı Reform grubu ise bu tür sanat eserleri ve imgelerin temel ikonografiler hakkında net anlatılar sağlayan didaktik katkılar olduğunu savunmuştur.

Protestanlıkta tasvir edilen sert üsluplara bir yanıt olarak Katolik Kilisesi, dini imgelerin çok fazla güce sahip olduğuna inanıyordu. Dahası, Trent Konseyi olayları sırasında, hangi dini imgelerin kabul edilebilir olup olmayacağına karar verilmişti. Sanatın “pastoral rolü” dini imgelerin birincil amacı olarak kabul edilmişti, yani sanatçılar İsa’nın acı çekişini, çarmıha gerilişini ve İncil’deki hikayelerle ilgili birçok azizi tasvir edebilirdi. Konsey üyeleri, tüm imgelerin putperest imalar içermemesi konusunda katı kurallar koymuştur.

Bunun ardından, Barok dönem olarak bilinen dini imgelerde tasvir edilen yeni sanatsal tarzlar ve tutumlar ortaya çıkmıştır.

Kullanılan Teknikler

Barok dönemini Rönesans ve onu izleyen Maniyerizm dönemlerinden ayıran şey, konularında daha fazla canlılığa ve keskin bir gerçekçiliğe odaklanmasıydı. Bazı kaynaklar bu dönemi olayın gerçekleştiği ana ya da başka bir deyişle “aksiyona” veya drama odaklanmak olarak da tanımlamaktadır. Konu, Katolik Kilisesi’nin talimatları doğrultusunda dini ve İncil’e dayalı anlatılardan oluşmaktaydı. Bunlar Meryem Ana, çeşitli Azizler ve İncil’den çeşitli hikayeler arasında değişmektedir.

Ayrıca Barok resimler, hareket ve duygusal yoğunluğu gösteren, girdaplı ve geniş fırça darbeleriyle uygulanan canlı renklerin kullanımıyla karakterize edilmekteydi.

Bu resim tarzı, binaya daha fazla ışık girmesi için yukarıda kubbelerle (kubbeler veya bir çatı üzerindeki kare benzeri taçlandırma yapıları) kapatılan, binanın merkezinde geniş alanlara sahip kiliseler gibi mimaride de görülen geniş ışık ve açıklık alanlarını tasvir etmeye odaklanmıştır.

Chiaroscuro

Chiaroscuro, “açık-koyu” anlamına gelen İtalyanca bir terimdir. Resimdeki zıtlıkları tanımlamaya odaklanır. Bu teknik Rönesans döneminde başlamıştır, ancak Caravaggio’nun bu tekniği kullanma biçimi Barok dönemin popüler bir özelliği haline gelmiştir. Kompozisyonlarında karanlık ve aydınlığa yaptığı güçlü vurguyla, izleyici neredeyse resimde tasvir edilen olayın bir parçası haline gelir.

Buna örnek olarak Caravaggio’nun Aziz Matta’nın Çağrılması (1599 – 1600) tablosunda İsa’nın sağ parmağının Aziz Matta’yı işaret ettiğini görürüz. Gelen güneş ışığının duvardaki ışık ve gölgesi, İsa’nın işaret parmağıyla birlikte doğrudan yankılanır.

Caravaggio’dan Aziz Matta’nın Çağrılışı (1599-1600); Caravaggio, Wikimedia Commons aracılığıyla

Tenebrizm

Tenebrizm, Caravaggio tarafından başlatıldığına inanılan ve popüler hale getirilen, birçok Barok ressam tarafından kullanılan bir başka tekniktir. Chiaroscuro gibi olmasına rağmen, esas olarak bir resmin daha karanlık alanlarına odaklanır. Terim İtalyanca tenebroso kelimesinden, o da Latince “karanlık” anlamına gelen tenebra kelimesinden gelmektedir. Bu terimle ilgili diğer kelimeler “kasvetli” ve “gizemli “dir. “Dramatik aydınlatma” olarak da adlandırılan “spot ışığı” etkisini yaratmaya çalışmıştır.

Davide con testa di Golia, Caravaggio

Two Women at a Window, Bartolomé Esteban Murillo

Quadro Riportato

Quadro Riportato İtalyanca’da “taşınan resim” anlamına gelir ve sanatçının bir resmin etrafına çerçeve gibi görünen ve fresk olarak sergilenen bir dizi resimden oluşan bir resim çizdiği bir tekniği tanımlamak için kullanılan bir terimdir. Bu teknik Barok dönemin öncülerinden Annibale Carracci tarafından kullanılmış ve en belirgin şekilde Farnese Sarayı’nın tavanındaki Tanrıların Aşkları (1597-1600) freskinde görülmüştür.

Bir fresk tavan süslemesinde quadro riportato, genel kompozisyonun bir parçasıdır ve başının üzerine asılmış çerçeveli bir şövale resmi gibi görünmesi için illüzyonist bir şekilde boyanmıştır. (Çoğul: quadri riportati).

Annibale Carracci. The Loves of the Gods. Fresco. 1597-1608. Palazzo Farnese, Rome.

İllüzyonizm: Trompe l’Oeil ve Quadratura

Resimlerin içindeki boşlukları “açma” fikri Barok Sanatın büyük bir parçasıydı, çünkü bu aynı zamanda boyalı görüntünün üç boyutlu görünmesiyle optik bir yanılsama hissi veriyordu. Bu üç boyutluluğu yaratmak, Fransızca’da “gözü aldatmak” anlamına gelen trompe l’oeil olarak biliniyordu.

Barok sanatçılar, gerçek mimarinin parçaları gibi görünen ve kasıtlı olarak gerçek mimarinin devamı olarak resmedilen görüntüleri tasvir eden quadratura adlı başka bir perspektif tekniği kullanmışlardır. Bu teknik, doğru bir şekilde uygulanabilmesi için mimari perspektife dayanan teorileri kullanmıştır.

Perspektif di sotto in sù ve quadratura tekniklerini içeren illüzyonist tavan resmi, Rönesans, Barok ve Rokoko sanatında trompe-l’œil, ön kısaltma gibi perspektif araçları ve diğer uzamsal efektlerin, izleyicinin üzerindeki iki boyutlu veya çoğunlukla düz bir tavan yüzeyinde üç boyutlu alan yanılsaması yaratmak için kullanıldığı bir gelenektir. Andrea Mantegna’nın Camera degli Sposi tablosundaki oculus gibi açık bir gökyüzü yanılsaması ya da Andrea Pozzo’nun Sant’Ignazio, Roma’daki fresklerinden biri olan kubbe gibi mimari bir alan yanılsaması yaratmak için sıklıkla kullanılır. İllüzyonist tavan resmi, gerçekliğin doğru temsillerini yaratmak için tasarlanan sanattaki genel illüzyonizm sınıfına aittir.

On yedinci yüzyılda ortaya çıkan ve normalde İngilizce’de de kullanılan bir terim olan Quadratura, Barok sanatçılar arasında popüler hale gelmiştir. Mimari yanılsama yoluyla duvarların “açılması” anlamına da gelse de, terim en yaygın olarak İtalyan tavan resmiyle ilişkilendirilir. Diğer trompe-l’œil tekniklerinin ya da aldatma için genellikle sezgisel sanatsal yaklaşımlara dayanan di sotto in sù tavan süslemelerinin aksine, quadratura doğrudan on yedinci yüzyıl perspektif teorilerine ve mimari alanın temsiline bağlıdır.[1] Perspektif teorisine dayanması nedeniyle, mimari, resim ve heykeli daha eksiksiz bir şekilde birleştirir ve daha önceki örneklere göre daha ezici bir illüzyonizm izlenimi verir.

Sanatçı, düz ya da beşik tonozlu bir tavana, mevcut mimarinin devamı gibi görünecek şekilde, perspektif içinde sahte bir mimari çizerdi. Bu illüzyonun perspektifi tek bir odak noktasına doğru merkezlenmiştir. Figürlerin, boyanmış duvarların ve sütunların dik bir şekilde kısalması, derin bir durgunluk, göksel bir küre ve hatta açık bir gökyüzü yanılsaması yaratır. Örneğin tavanlardaki resimler, nişler içindeki heykelleri ya da gökyüzünü gösteren açıklıkları simüle edebilir.

Quadratura, anamorfoz gibi diğer illüzyonist resim tekniklerini de kullanabilir.

İllüzyonist resim örnekleri arasında şunlar sayılabilir: